Yearly Archives: 2021

Prefazione

FATA TURCHINA

messaggio di resilienza

Fata Turchina non è la figura riprodotta su carta patinata nel libro di Collodi. E nemmeno la Fata, emblema di bellezza e bontà, disposta a perdonare le birbonate di quel bambino pasticcione presentato dalla Disney nell’edizione del cartone uscito nelle sale cinematografiche nel 1940.

La Fata-non Fata, che produce le sue magie come una strega popolando i sogni agitati dei bambini, è un personaggio più complesso che assomma in sé figure da fiaba associandole all’indole femminile di una donna calata nella lotta per l’esistenza.

Fata Turchina rappresenta un “principio magico mutevole”, che assume di volta in volta una forma diversa a simbolo della libertà di trasformarsi e del- la potenza dell’energia creativa. Una forza qui contenuta nel suo nome che, quale acronimo, condensa nella lingua italiana gli elementi basilari della Na- tura: F come Fuoco, A come aria, T come Terra e A come Acqua.

Turchino è il colore del cielo che si specchia nei nostri Oceani.

Fata Turchina ci parla della necessità umana di evolversi attraverso le varie fasi della vita che includono la crescita, la trasformazione e la morte, ma so- prattutto solleva il sipario su future stagioni, quando all’uomo resterà solo la nostalgia di un mondo che ha contribuito a distruggere per avidità, stoltezza e brama di potere.

“Fata Turchina” vela il tema della terza edizione della Triennale di Venezia, fondata dall’Associazione Culturale Italo-Tedesca nel 2015. La prima edizio- ne, presentata ad un pubblico internazionale, portava il titolo di “Natura Nu- trix-Homo Vorax”, seguita dal “Il grido della Terra”, che nel 2018 vantava la presenza di 40.000 visitatori da maggio a novembre.

La mostra realizzata per il 50. Giubileo dell’ACIT di Venezia intende risvegliare le coscienze davanti alla catastrofe climatica in atto, lanciando un appello alla solidarietà tra nazioni ed esseri umani nel contesto dell’isolamento provocato dalla pandemia globale.

Desideriamo soprattutto invitare le nuove generazioni a riflettere sui futuri sviluppi della vita sulla Terra, nonché educare i giovani a confrontarsi con la natura, con la propria cultura, a prendere in esame la struttura complessiva del pianeta anche attraverso l’arte: la prospettiva dell’artista su problemi esi- stenziali può dare un contributo importante, consentendo ai giovani di aprirsi ad una nuova visione del mondo nel trovare risposta a domande urgenti.

Nevia Capello 1 settembre 2021 Art Director

Preface

BLUE FAIRY

as a resilience message

Blue Fairy is not the figure reproduced on glossy paper in Collodi’s book. And not even the Fairy, emblem of beauty and goodness, willing to forgive the mis- chief of that bungling child presented by Disney in the edition of the cartoon released in cinemas in 1940.

The Fairy-non-Fairy, who produces her spells like a witch by populating the agitated dreams of children, is a more complex character that combines fairy tale figures by associating them with the feminine nature of a woman engaged in the struggle for existence.

Blue Fairy represents a “changing magical principle”, which takes on a differ- ent shape each time as a symbol of the freedom to transform and the power of creative energy. A force contained here in its name which, as an acronym, condenses in the Italian language the basic elements of Nature: F as Fuoco (Fire), A as Aria (Air), T as Terra (Earth) and A as Acqua (Water) .

Turchino is the colour of the sky that is reflected in our oceans.

Blue Fairy speaks to us of the human need to evolve through the various stag- es of life that include growth, transformation and death, but above all it raises the curtain on future seasons, when man will only be left with nostalgia for a world that has contributed to destroy by greed, foolishness and lust for power.

“Blue Fairy” veils the theme of the third edition of the Venice Triennale, found- ed by the Italian-German Cultural Association in 2015. The first edition, pre- sented to an international audience, bore the title of “Natura Nutrix-Homo Vorax”, followed by “Cry of the Earth”, which in 2018 boasted the presence of 40,000 visitors from May to November 2018.

The exhibition created for the 50th Giubileo of the ACIT in Venice intends to awaken consciences in the face of the climate catastrophe in progress, launching an appeal for solidarity between nations and human beings in the context of the isolation caused by the global pandemic.

Above all, we wish to invite the new generations to reflect on the future de- velopments of life on Earth, as well as educate young people to deal with nature, with their own culture, to examine the overall structure of the planet also through art: the perspective of artist on existential problems can make an important contribution, allowing young people to open up to a new vision of the world in finding answers to urgent questions.

Nevia Capello 1st September 2021 Art Director

50° COMPLEANNO

1971 – 2021

In un mattino di maggio del 1971, nel piccolo ufficio fiocamente illuminato da una finestra che dava sul cavedio, in cui lavoravo come assistente del Console Onorario di Germania, avv. Lino Gavagnin, mi giunse un fonogramma del Consolato Generale di stanza a Milano, nel quale il Console Generale Dr. D. Seibt richiedeva espressamente la fondazione di una Istituzione italo-tede- sca a Venezia, sul modello delle Associazioni culturali preesistenti a Bologna e a Padova.

Ne seguirono gli accordi con la Camera di Commercio di Venezia e i contatti con quello che sarebbe diventato il primo presidente dell’ACIT, l’avv. Fran- cesco Borgo. L’Associazione Culturale Italo-Tedesca di Venezia veniva alla luce nel settembre dello stesso anno, con una cerimonia ufficiale al Teatro la Fenice, in cui il Ministro della Cultura della Baviera, nel discorso inaugurale, metteva in evidenza i rapporti secolari che legano la Germania a Venezia ed enunciava, fra le finalità della neonata, la diffusione della lingua e cultura te- desca, l’approfondimento della collaborazione e dell’amicizia fra Venezia e la Germania.

L’ACIT ha raggiunto oggi il traguardo di mezzo secolo di vita, tendendo, an- che nelle fasi più difficili della sua lunga esistenza, alla realizzazione di quanto stabilito a priori, quasi a fondamento di una legge morale.
Come reduci da una dura battaglia, contiamo le vittorie e le sconfitte deter- minate da cambiamenti politici epocali, da un mondo che sta scivolando ver- so il baratro se non interveniamo tempestivamente al di fuori della nostra cul- tura, lingua e tradizione, consci della forza da attingersi nelle multiculture di questa grande Europa. Non manchiamo però di riconfermare il sentimento di stima verso il popolo tedesco, l’amore verso il Vate della Letteratura tedesca, Wolfgang von Goethe, che abbiamo celebrato nel 1986 in un ambizioso pro- getto sostenuto dalla Regione del Veneto e dal Goethe Museum Düsseldorf con la Mostra “Goethe in Italia”, il Balletto “Mignon” al Teatro Filarmonico di Verona, la traduzione del Diario di Goethe per il Viaggio in Italia e “La notte di Walpurga” a Palazzo Pisani Moretta.

Importante è stata la collaborazione con il Comune di Venezia, e qui emergo- no le figure di Sindaci quali Mario Rigo, Nereo Laroni e Massimo Cacciari, pro- pellenti alla crescita del Festival Internazionale degli “Incontri Musicali a Venezia” e alla creazione di “Venezia d’Inverno”, nata nell’impegno profuso dall’ACIT per animare la città nel periodo buio che precedeva il Carnevale. Ringraziamo la Città di Venezia per aver accolto per un decennio, nella Sala dell’800 del Museo d’Arte Moderna di Ca’ Pesaro – con il consenso e la col- laborazione del Prof. Guido Perocco, compianto Direttore ed esimio studio- so d’Arte – i concerti di Musica classica che tra l’altro offrirono per la prima volta al pubblico cicli di Lieder, l’esecuzione di “Pierrot Lunaire” di Schönberg e la messa in scena dell’“Ormindo” di Francesco Cavalli per la regia di Schlüter-Padberg con i laureati della Musikhochschule di Amburgo, un’opera che dal ‘600 non era più stata rappresentata. Anche i nostri Concerti di Musica Sacra trovarono ampia accoglienza nel- le Chiese di Venezia. Direttori d’Orchestra tedeschi della statura del prof. Alexander Sumski, per l’Università di Tübingen, del prof. Ulrich Brall per il Goerres Gymnasium di Düsseldorf, del prof. Gerhard Schmidt-Gaden, Diret- tore e fondatore del Tölzer Knaben-Chor, di Karl-Heinz Arlt per il Ginnasio Johannäum di Lubecca – solo per citare alcune eminenti personalità – hanno portato a Santo Stefano, nella Basilica dei Frari, alla Pietà – restaurata grazie ad una campagna promozionale dell’ACIT – gli Oratori di J.S. Bach, le Quattro Stagioni di Haendel, le Esequie Musicali di Schütz, la Messa da Requiem di Verdi, il Requiem di Mozart e il Deutsches Requiem di Brahms.Il clou è stato raggiunto nella Basilica di San Marco, per la benevolenza del Patriarca Albino Luciani, il futuro Pontefice Giovanni Paolo I, che favorevol- mente espresse il Nihil Obstat a manifestazioni musicali rifiutate dalla Curia, tra cui la superba esecuzione delle Canzoni a Otto del Gabrieli da parte del Gruppo Ottoni della Filarmonica di Los Angeles in tournée in Europa sotto la direzione di Carlo Maria Giulini.

Five years later, in the Novitiate Hall at the Cini Foundation, I was so surprised to receive the “Bundesverdienstkreuz I. Klasse” issued by the Bundespräsi- dent Johannes Rau from the hands of Ambassador Uta Meyer Schalburg, that I asked if it was not a mistake. “Germany is never wrong” – was the prompt reply.

Federal Chancellor Angela Merkel too, who unfortunately is about to end her mandate, renews her vote of confident esteem to the ACIT of Venice in a letter dated February 20, 2021, from which I extract the following lines: “First of all, I would like to thank you very much for your decades of highly successful work for the Italian-German Cultural Association of Venice. ACIT is for Germany one of the figureheads in the heart of Venice and enriches the cultural offer of the city. You have personally achieved great merits, which the Federal Presi- dent has expressly recognized with the award of the Federal Cross of Merit”.

From the notes of “A life for the Italian-German cause”. Nevia Capello

President of ACIT Venice

FRANCIA

LINA KARAM

Mare screziato di blu

Sea streaked with blue

Olio su tela, 2021 cm 100 x 81

FRANZ BAUMGARTNER

Espressione di gravità

Serious painting

Olio su tela, 2001 cm 70 x 105

Nell’opera di Franz Baumgartner si aprono vasti paesaggi trasfigurati e idealizzati, abbandonati dall’uomo. Fenomeni naturali atmosferici, come situazioni scintillanti in controluce o distese di nebbia illuminate dai raggi del sole sopra i margini delle foreste, i laghi e le valli dei fiumi, e dal recente passato anche il firma- mento del deserto marocchino, sono i fattori motivanti dei suoi dipinti a olio per lo più di grande formato. Il pittore ha una particolare predilezione per le foreste di betulle, che porta sulla tela da diverse prospettive, a volte più o meno densamente ricoperte. Nei suoi dipinti di paesaggio riconosce la possibilità di descrivere le connessioni metafisiche del nostro mondo. Attraverso la complessità del suo modo di esprimersi, l’artista raggiunge uno stato d’animo speciale e sognante.

In Franz Baumgartner’s work, vast, transfigured, idealised landscapes, abandoned by man, open up. Atmo- spheric natural phenomena, such as glistening backlit situations or swathes of mist illuminated by the sun’s rays above forest edges, lakes and river valleys, and since the recent past also the firmament of the Moroc- can desert, are motivating factors in his mostly large-format oil paintings. The painter has a special predi- lection for birch forests, which he brings onto canvas from various perspectives, sometimes more densely or less densely overgrown. In his landscape paintings he recognises a possibility to describe the metaphysical connections of our world. Through the complexity of his mode of expression, the artist achieves a special, dreamy mood.

M.Umlauf, GCB Art Magazine November 2020

18 | Fata Turchina, messaggio di resilienza

Blue Fairy as a resilience message | 19

CHRISTIANE BRANDT

Petali di magnolia nello stagno

Magnolia petals in the pond

Acquarello su cartoncino grigio, 2021 cm 41 x 32

Christiane Brandt pensa in termini di tonalità di colore e di valori tonali, di forme superficiali e di rapporti di forma. Le regole del visibile vengono infrante a favore dell’espressione e della chiarezza della narrazione. Il riferimento superficiale del mondo pittorico può ricordare i pittori del primo Rinascimento, che riferivano di questo mondo, ma non lo facevano mai senza perdere il loro legame con un terreno spirituale e quindi con la superficie.

I suoi quadri non sono mai leggeri, sempre caldi, pieni di corpo. Anche se preferisce usare gli acquarelli, la sua applicazione di vernice non è trasparente. La sostanza colorata è densa, satura, piena di forza. I suoi motivi formali sono arcaicamente semplici, carichi del potere evocativo dell’elementare.

Christiane Brandt thinks in terms of colour tones and tonal values, of surface forms and shape relationships. The rules of the visible are broken in favor of the expression and clarity of the narrative. The superficial refer- ence of the pictorial world may recall the painters of the early Renaissance, who referred to this world, but never did so without losing their link with a spiritual ground and therefore with the surface.

Her paintings are never light, always warm, full of body. Although she prefers to use watercolors, her paint application is not transparent. The colored substance is thick, saturated, full of strength. Its formal motifs are archaically simple, charged with the evocative power of the elementary.                                                                                          Thomas Brandt

HANS CHRISTIAN DUVIVIER

Senza titolo

Untitled

Tecnica mista su tela, 2021 cm 120 x 65

Fino ad oggi l’arte non è stata da me considerata un mezzo di comunicazione, ma il campo d’espressione in cui sentirmi tanto diverso. Non avevo mai esposto i miei lavori, poiché temevo che le mostre avrebbero imbrigliato la mia multiforme creatività. Sì, forse è giunto il momento di manifestare la mia filosofia di vita. Dipingo perché l’osservatore possa sognare la sua esistenza.

Questo non è dovuto ad un effetto che, verificatosi, lo riconosci successivamente allorché lo guardi, e quin- di lo rielabori, ma piuttosto ad un’immagine a più livelli che sembra sempre nuova. In tal modo mi addentro via via in un mondo ideale innato, che non solo mi ricorda la sua essenza, ma indica lo status raggiunto nel travalicare la banale quotidianità.

Until now, art has not been considered by me as a mean of communication, but as the field of expression in which to feel so different. I had never exhibited my works, as I feared that the exhibitions would harness my multifaceted creativity. Yes, perhaps the time has come to manifest my philosophy of life.
I paint so that the observer can dream of his existence.

This is not due to an effect that, having occurred, you recognize it later when you look at it, and then re- elaborate it, but rather to a multi-layered image that always seems new. In this way I gradually enter an innate ideal world, which not only reminds me of its essence, but also indicates the status reached in going beyond the banal everyday life.

HANS JOACHIM KASSELMANN

“Daphne” dalle Metamorfosi
di Ovidio Libro I. 547-550 “Daphne” from Metamorphoses Ovidio’s Book I. 547 -550

Foto su tela, 2021 cm 70 x 70

BEATRIX OST

Il cacciatore fattosi preda

The Hunter haunted

Olio su tela, 1984 cm 52 x 41

“…So, da precedenti conversazioni sul suo lavoro, che il dipinto che Ost fece molto tempo fa di Sigmund Freud come un paesaggio drammatico e di abnegazione era un momento espressivo fondamentale in quel- la che sarebbe diventata la sua missione e anima come artista: il rapporto tra il mondo della realtà e il regno contrapposto dell’immaginazione, l’idea della mente come destinazione effettiva e la proposizione che un oggetto era apparentemente un surrogato di un altro. Una nuvola era più di una nuvola: poteva anche es- sere un teschio o un paio di labbra con qualcosa da sussurrare. Che le lacrime fossero fiumi di esperienza umana condivisa; che gli uccelli erano i sacri messaggeri della natura. E che le persone, anche quelle che riconosciamo, sono estranee che giocano sia una parte che un posto per il nostro beneficio e risveglio. E, naturalmente, sono noi stessi…”

“…I know, from previous conversations on her work, that the painting Ost made long ago of Sigmund Freud as a dramatic and self-sacrificing landscape was a pivotal expressive moment in what would become her mis- sion and soul as an artist: the intercourse between the world of reality and the contraposing realm of imagina- tion, the idea of the mind as an actual destination, and the proposition that one object was ostensibly a sur- rogate for another. A cloud was more than a cloud: it might as well be a skull, or a pair of lips with something to whisper. That tears were rivers of shared human experience; that birds were nature’s sacred messengers. And that people, even the ones we recognize, are strangers playing both a part and a place for our benefit and awakening. And, of course, they are ourselves…”

Deborah McCleod, Director of Chroma Projects

SEBASTIAN OSTERHAUS

Crepuscolo

Twilight

Olio su tela, 2021 cm 130 x 100

DAGMAR SCHENK-GÜLLICH

Roboter

Automaton

Tecnica mista su Alu-Dibond, 2021 cm 80 x 60

Che ne sarà di noi? Sembra porsi questa domanda l’artista Dagmar Schenk-Güllich che paventa il destino tragico dell’umanità e si fa spettatore davanti alla scena del Teatro del mondo sul quale colloca la sua opera quasi fosse il soggetto di un dramma.
La natura sa sempre attingere alle sue più intime risorse e rinnovarsi. Sarà così. Ma il messaggio espresso dalla sua arte è di un’efficacia travolgente e innovativa nella metamorfosi assunta dalla “persona”, prosopon è la maschera della tragedia, nell’immagine dell’automa che dominerà il pianeta nelle future ere digitali.

What will become of us? The artist Dagmar Schenk-Güllich seems to ask herself this question: Who fears the tragic destiny of humanity and becomes a spectator in front of the stage of the world’s Theater on which she places her work as if it were the subject of a drama.

Nature always knows how to draw on its most intimate resources and renew itself. It will be like this. But the message expressed by her art is of an overwhelming and innovative effectiveness in the metamorphosis as- sumed by the “person”- prosopon is the mask of tragedy – in the image of the automaton that will dominate the planet in future digital eras.

Nevia Capello

GÜNTER SPONHEUER

Notre-Dame in fiamme

Fire in Notre-Dame

Olio su tela, 2021 cm 90 x 110

Günter Sponheuer è un pittore che per amore di libertà si sottrae ad ogni ruolo definito e a tutti gli ismi, nondimeno gli elementi colore, dinamica e sentimento, che si ritrovano in ogni suo lavoro, ripropongono il libero rapporto con colore e forma nella pittura espressionista, se non altro per quella grande attenzione alla psicologia, anche in senso “patologico”, che emerge dalle opere di espressionisti, quali Otto Dix, Max Beckmann, Oskar Kokoschka, Egon Schiele.

Ai pittori di quest’epoca non importava tanto la resa fedele di impressioni e belle forme, quanto esprimere le loro inquietudini, rendendo direttamente e spontaneamente un tema profondamente sentito ed interpre- tato.
Sponheuer, “Spony” per gli amici, si muove in questa direzione.

Günter Sponheuer is a painter who, for the sake of freedom, escapes any defined role and all isms. Neverthe- less the elements of colour, dynamics and feeling, which are found in each of his works, re-propose the free relationship with colour and form like in expressionist painting, if only for that great attention to psychology, even in the “pathological” sense, which emerges from the works of expressionists such as Otto Dix, Max Beckmann, Oskar Kokoschka, Egon Schiele.

The painters of this era did not care so much for the faithful rendering of impressions and beautiful forms, as for expressing their concerns, directly and spontaneously rendering a deeply felt and interpreted theme. Sponheuer, “Spony” to his friends, is moving in this direction.

ANTJE TESCHE-MENTZEN

Ma Gaia sopravvive

But Gaia survives

Tecnica mista, 2020 cm 60 x 70

Le opere di Tesche-Mentzen non sono così facili da interpretare. C’è molto da vedere in termini di conte- nuti, influssi, diversità di materiali e abilità artigianale. Ogni opera ci parla di estetica, di colori affascinanti, di rapporti mistici enigmatici. Così ogni dipinto diventa un viaggio di scoperta nelle profondità dello spazio, del tempo e della storia.

Tesche-Mentzen’s works are not so easy to pass by. There is much to see in terms of content, influences, ma- terial diversity and craftsmanship. Every figure is concerned with aesthetics, fascinating colours, enigmatic mystical relationships. Thus each piece becomes a voyage of discovery into the depths of space, time and history.

Uwe Mitsching, Bayerische Staatszeitung 2019

La sensualità e la stretta connessione con la natura parlano anche dai suoi vigorosi dipinti dal colore inten- so. […] I paesaggi si trasformano in paesaggi interiori, diventano forme corporee. Nel processo, il giallo do- mina spesso accanto all’azzurro del cielo, che in ulteriore astrazione basta a se stesso nella sua erompente potenza.

Sensuality and the close connection to nature also speak of her powerful, colour-intensive paintings. […] The landscapes transform into inner landscapes and become corporeal forms. In this process, the yellow colour often dominates alongside the blue of the sky, which in further abstraction suffices itself in its eruptive power.

Raimund Feichtner, OVB 2005

ITALIA

GINO BONAMINI

Vita in Lessinia

Life in Lessinia

Scultura in ferro battuto, 2013 cm 60 x 42

BEPPE CASTELLANI

Canzone popolare giapponese

Japanese folk song

Fotografia stampata su tela, 2019 cm 105 x 70

La mia serie fotografica dedicata a Thelonious Monk prende lo spunto da alcune caratteristiche peculiari della musica da lui creata, che ha cambiato in modo sostanziale la strada maestra del jazz.
Le dissonanze, l’uso di particolari scale musicali, lo scarno accompagnamento (talvolta addirittura assen- te), il gusto per una certa trasgressione degli schemi fino ad allora sempre accettati, hanno creato un lega- me fortissimo con un universo anche figurativo (si pensi, per esempio, alle copertine dei suoi dischi) .

Il mio sforzo, nella raffigurazione del paesaggio, ha cercato, nei limiti del possibile, di riassumere se non tutte, almeno alcune di queste caratteristiche. Nell’uso di una certa tonalità di bianco e nero, nella ricerca dei contrasti abbinati ad una apparente povertà paesaggistica che si riallaccia alle dissonanti melodie mon- kiane in forme diverse, simbolo di pura energia.

My photographic series dedicated to Thelonious Monk takes its cue from some peculiar characteristics of his music, which has substantially changed the course of jazz.
The dissonances, the use of particular musical scales, the scarce accompaniment (sometimes even absent) and the taste for a certain transgression of the schemes hitherto universally accepted, have created a very strong bond with a figurative universe (think, for example, about the covers of his records).

In my effort to represent the landscape, I have striven to summarize at least some, if not all, of these charac- teristics. The use of a certain black and white hue enhances the search for contrasts combined with a seem- ingly bare landscape, which is linked to the dissonant Monkian melodies in different forms, a symbol of pure creative energy.

GIUSEPPE DENTI

Magica Energia

Magic Energy

Olio su tela, 1988 cm 50 x 70

La sua particolare tecnica si fa supporto essenziale per realizzare le sue forme in evoluzione: si crea il ma- teriale, ne inventa le componenti, al fine di dare matericità “al suo mondo” sempre in bilico tra figurazione ed astrazione.

His particular technique becomes an essential support to give life to his evolving forms: He creates the mate- rial, he invents its components, in order to give materiality; to “his world” always poised between figuration and abstraction.

E. Di Martino

La ricerca artistica di Giuseppe Denti si fonda sull’esplorazione del colore e della materia di cui si serve per costruire l’immagine. Le sue figure tendono a farsi concrete a diventare corporee attraverso un’inedita spe- rimentazione materica e uno studio minuzioso delle variabili tonali.

Giuseppe Denti’s artistic research is based on the exploration of colour and the materials used to build the image. His figures tend to become concrete and corporeal through an unprecedented experimentation with materials and a meticulous study of tonal variables.
The artist is always looking for new forms and images; it is an unceasing research of new contents, composi- tions and chromatisms.

Paolo Levi

GIANFRANCO DONATI

L’inizio della fine

The beginning of the end

Acrilico su tela, 2020 cm 60 x 70

Gianfranco Donati nel suo percorso di studio e lavoro ha modificato il suo stile pittorico pur non abban- donando del tutto il figurativo, anzi rendendolo artisticamente vitale. In questo sviluppo, raggiunto anche cambiando gli utensili da lavoro nel passaggio dal pennello alla spatola ed alla spugna, utilizzando tra i nuovi materiali l’acrilico e la tecnica mista, in luogo della classica pittura ad olio, ha sperimentato più tecniche per giungere a quella che sente più personale, mentre il dipinto si trasforma dal figurativo puro al figurativo moderno e da questo all’informale fino all’astratto. Due sono le scelte che caratterizzano i suoi lavori: la luce pura e la luce del colore, accentuate da un taglio netto di spatola. Donati ha un concetto dell’arte arricchito da tutti i valori che la costituiscono, tra cui sensibilità, creatività, poesia e non da ultimo tecnica, vibrazione, comunicazione. Ed ecco il grido di denuncia che proviene dal suo dipinto: “L’aria è inquinata, l’acqua gli fa bella compagnia, la luce, filtrata dai gas, aumenta la temperatura del pianeta, ma noi continuiamo a sfruttare le sue risorse, non concedendogli un logico tempo di ripresa. Non possiamo sperare in un miglioramento, ma solo in un, sempre più rapido, deterioramento”!

Gianfranco Donati in his course of study and work has changed his pictorial style while not abandoning the figurative completely, on the contrary making it artistically vital. In this development, also achieved by chang- ing the work tools in the passage from the brush to the spatula and the sponge, using among the new ma- terials the acrylic and the mixed technique, instead of the classic oil painting, he experimented with more techniques to reach that which feels more personal, while the painting is transformed from pure figurative to modern figurative and from this to informal, up to the abstract. There are two choices that characterize his works: pure light and the light of colour, accentuated by a clean cut of the palette knife. Donati has a concept of art enriched by all the values that constitute it, including sensitivity, creativity, poetry and last but not least, technique, vibration, communication. And here is the cry of denunciation that comes from his painting: “The air is polluted, and so is the water, the light, filtered by gases, increases the temperature of the planet, but we continue to exploit its resources, not giving it a logical recovery time. We cannot hope for an improvement, but only for an increasingly rapid deterioration!”

ANDREINA GALIMBERTI

Segni indelebili 1

Indelible signs 1

Acquarello
su carta Fabriano 600g, 2021 cm 56 x 76

Le sue ricerche si orientano seguendo la tradizione informale, una poetica precisa, una poetica che si pone come obiettivo l’indagine della natura e delle sue coesioni profonde. Una natura fatta di colore, di timbri cromatici essenziali, prima ancora che di forme e soggetti. Il colore dunque è un’interpretazione che si fa impressione; una rappresentazione che è sensazione; un insieme al contempo inafferrabile e chiarissimo, come lo spirito stesso delle cose che racconta.

Her research is oriented towards the informal tradition, a precise poetry that aims towards investigating na- ture and its deep cohesion. A nature made of colour, of essential chromatic timbres, even before shapes and subjects. Colour, therefore, is an interpretation that makes an impression; a representation that is a sensa- tion; a whole that is at once elusive and very clear, like the very spirit of the things it narrates.

MICHELE GINERVRA

Nella tormenta

In the blizzard

Stampa, 2019 cm 30 x 45

La foto “In the blizzard” consente di valutare come la percezione ottica dell’autore sia particolarmente so- spinta verso la pittoricità del materiale urbano, reso ancora più inquieto e silente dalla presenza della figura umana avvolta in incerti gusci di luce, in impressionistici squarci di ombre.

The photo “In the blizzard” allows us to evaluate how the author’s optical perception is particularly pushed towards the pictorial nature of the urban material, made even more restless and silent by the presence of the human figure wrapped in uncertain shells of light, in impressionistic glimpses of shadows.                                                          Prof. Aldo Gerbino

MARGHERITA MAURO

Rigenerazione

Regeneration

incisione – tecnica sperimentale 2019

cm 30×70

Accade spesso di notare la straordinaria facilità con la quale gli artisti scultori, abituati a plasmare la ma- teria, cioè a dare forma concreta alla loro visione immaginativa, affrontano le varie tecniche dell’incisione calcografica.
Ciò dipende dal fatto che anche nell’incisione lo scultore mette in atto un rapporto fisico con il metallo della matrice (rame, zinco) con gesti di scavo e scalfitura che hanno molto a che fare con la scultura. Accade di vedere questo processo anche nelle recenti incisioni calcografiche di Margherita Mauro in una nuova esperienza espressiva che, pur nel mutamento radicale del linguaggio tecnico, conferma la sua particolare concezione plastica delle forme.

One often notices the extraordinary ease with which sculptors, accustomed to shaping matter, i.e. giving concrete form to their imaginative vision, approach the various techniques of chalcographic engraving.
This is due to the fact that even in engraving, the sculptor engages in a physical relationship with the metal of the matrix (copper, zinc) with gestures of digging and scratching that have much to do with sculpture. This process can also be seen in Margherita Mauro’s recent intaglio engravings in a new expressive experience which, despite the radical change in technical language, confirms her particular plastic conception of forms.                                                                      Lisa Angaran, 2019

PAOLA NORDERA

Attracco

Pier

Stampa su tela, 2020 cm 90 x 60

In questo percorso fotografico mi sono ispirata a uno dei temi più importanti e ricorrenti della scuola im- pressionista: quello dell’acqua. Elemento ricorrente nelle mie opere in quanto l’acqua, origine della vita, mi permette di immaginare, come in un sogno, confini indistinti e diverse interpretazioni degli oggetti. In questo modo un pontile può diventare un palcoscenico dove esseri viventi rappresentano l’eterna commedia della vita, e le bricole possono raffigurare l’abbraccio o il legame tra due persone. Altro elemento ricorrente in queste immagini è il legno, componente primordiale dell’habitat umano e simbolo di una evoluzione me- more del passato.

Personalmente ritengo che, non sempre, sia dato il giusto ruolo alla bellezza della semplicità, qualità che appartiene, invece, alla mia sensibilità fotografica e che cerco di trasmettere con immagini contenutivamen- te vicine al minimalismo.

I was inspired to this photographic journey by one of the most important and recurring themes of the Impres- sionist school: water. Water, which is the source of all life, is a recurring element in my work because it allows me to imagine indistinct boundaries and give diverse interpretations to objects, almost like in a dream. In this way, a pier can become a stage where living beings represent the eternal human comedy, and the bricole can represent the embrace or bond between two people. Another recurring element in these images is wood, a primordial component of the human habitat and the symbol of an evolution that is mindful of the past. Personally, I believe that we don’t always recognize the beauty of simplicity, a quality that instead belongs to my photographic sensitivity and that I try to convey with images which are close to minimalism in their con- tent.                                                   Paola Nordera

ANTEA PIR0NDINI

L’Infinito

ispirato da Giacomo Leopardi

The Infinity

inspired by Giacomo Leopardi

Olio su tela, 2021 cm 70 x 120

SONIA ROS

Hubolt 349

Hubolt 349

Olio su tela, 2020 cm Ø 150

Le sue creature autosufficienti, intraviste nel pericoloso crepuscolo che separa il nostro mondo da quello delle immagini hanno oggi lasciato il campo ad una nuova rappresentazione, si sono inabissate, diventando roccia, terra, acqua, sedimenti, all’interno di uno straordinario ed inedito paesaggio.
Questo nuovo territorio esplorato dall’artista che si presenta come visione di altri mondi ultra o infra-terreni è remoto, magmatico, in esso vivono ancora esseri biomorfi e vi si intrecciano vegetazioni minerali… Rappre- sentare l’invisibile senza mai cadere nella trappola concettuale della surrealtà o di un facile sadismo onirico, è quanto realizza con la sicurezza e l’abilità di un antico vedutista Sonia Ros.

Her self-sufficient creatures, glimpsed in the dangerous twilight that separates our world from the world of images, have now given way to a new representation, they have sunk, becoming rock, earth, water, sedi- ment, within an extraordinary and unprecedented landscape. This new territory explored by the artist, which presents itself as a vision of other ultra – or infra-terrestrial worlds, is remote, magmatic, where biomorphic beings still live in it and mineralvegetation intertwines… Representing the invisible without ever falling into the conceptual trap of surreality or easy oneiric sadism is what Sonia Ros achieves with the confidence and skill of an ancient vedutista.

Silvio Fuso

GABRIELA SPILLER

A.A.A. Pianeta Terra cerca
con urgenza abitanti responsabili

Planet earth urgently seeks responsible inhabitants

Tecnica mista, 2021 cm 130 x 150

Croste. Un’idea, un pensiero, una tecnica che da oltre dieci anni Gabriela Spiller cerca di affinare, indagare, per quanto accade dentro e attorno a se.
Il suo lavoro è diretto a frantumare la superficie, ridurre la materia in piccoli frammenti, parti incontrollate concave e convesse dove raccontano una unità lontana.

Il gesto si materializza in vortici dinamici, ispirati da una nuova creazione che attraversa i tempi, e deposita frammenti in composizioni a volte sparse, a volte geometriche. Nuove immagini affiorano dalla tela, città indecifrabili, caos primordiali apparentemente casuali, forme che inevitabilmente riescono a coinvolgere e stupire. Da sempre G. Spiller ama la materia, con la stessa passione lavora instancabilmente l’argilla poli- croma.

Scabs. An idea, a thought, a technique that for over ten years Gabriela Spiller has been trying to refine, inves- tigate, for what happens inside and around her.
Her work is aimed at shattering the surface, reducing matter into small fragments, uncontrolled concave and convex parts where they tell of a distant unity.

The gesture materializes in dynamic vortices, inspired by a new creation that crosses the times, and deposits fragments in compositions that are sometimes scattered, sometimes geometric. New images emerge from the canvas, indecipherable cities, apparently random primordial chaos, shapes that inevitably manage to involve and amaze. G. Spiller has always loved the material, with the same passion she tirelessly works poly- chrome clay.

MARILENA VISINI

Aria

Air

Olio su tela, 2020 cm 80 x 80

La produzione artistica di Marilena Visini è profondamente permeata sullo studio dell’anatomia umana, un tema diventato centro focale dei suoi dipinti. Nelle sue opere sono riportati particolari di corpi in cui la figura assume valenza simbolica della complessità esistenziale e della profondità spirituale in essa contenuta.
Si tratta di immagini suggestive nelle quali dalla forza vibrante del tratto, che talvolta riporta in costrutti for- mali, emerge l’essenza più antica di una narrazione corretta. La figura umana diviene occasione di ricerca espressiva nell’incedere artistico di Visini.

Il disegno è dotato di una grande armonia tra pieni e vuoti, regalando alla superficie pittorica atmosfere libere ed ariose, che accarezzano la figura infondendo leggerezza ai profili sinuosi.

The artistic production of Marilena Visini is deeply permeated on the study of human anatomy, a theme that has become the focal point of her paintings. In her works there are details of bodies in which the figure as- sumes a symbolic value of the existential complexity and of the spiritual depth it contains.
These are evocative images in which the most ancient essence of a correct narrative emerges from the vi- brating force of the stroke, which sometimes she refers to formal constructs. The human figure becomes an opportunity for expressive research in Visini’s artistic progress.

The drawing is endowed with a great harmony between solids and voids, giving the pictorial surface atmo- spheres free and airy, which caress the figure, infusing the sinuous profiles with lightness.

Sandro Serradifalco

POLONIA

KARL-KAROL CHROBOK

Nuvole sull’orizzonte no.3

Cloud ply on the horizon no.3

Olio su tela, 2019 cm 20 x 100

Chrobok dipinge le sue opere direttamente all’aperto nella natura, indipendentemente dalle condizioni del tempo. Sia tempesta,neve o sole, tutte le condizioni atmosferiche lo attirano e lo ispirano a catturare le sue impressioni sulla tela. In breve, il movimento degli alberi al vento, le frustate dei rami nella tempesta o i giochi di luce ed ombra sono sapientemente portati sulla tela dall’artista. Chrobok ha perfezionato la pennellata veloce.

Nei suoi dipinti gli oggetti non sbiadiscono né scompaiono in lontananza. La profondità dello spazio è creata solo dalle proporzioni. La sua fascinazione per il colore è decisiva. Quanto lontano può spingersi il pittore per far parlare il colore senza portare il dipinto all’astrazione? Chrobok ha trovato la soluzione.

Chrobok paints his work directly outside in the nature, regardless of weather conditions. Whether storm, snow or sun – he is not a pure fair-weather painter – all weather conditions appeal to him and inspire him to capture his impressions on canvas. In short time the movement of the trees in the wind, the whipping of the branches in the storm or the play of light and shadow are skillfully brought onto the canvas by the artist. Chrobok has perfected the fast brushwork.

In his paintings the painted objects do not fade or disappear in the distance. The depth of space is only cre- ated by proportions. His fascination for color is decisive in his paintings. How far can one go as a Painter to let the color speak without leading it into abstraction? Chrobok has found the solution.                                                               Kirstin Schwarz / Siegener

BEATRIZ PACHECO-PEREIRA

Angeli fatati

Fairyangels

Sculture in argilla, 2021
1. cm 154 x 32 x 26, base in ferro cm 31 x 31 2. cm 165 x 37 x 31, base in ferro cm 31 x 31

Dal mondo fantastico delle sue favole nascono i suoi “angeli”, che lei sa presentarci con i mezzi più con- geniali ad uno spirito tanto ricco di sfaccettature, qual è il suo, in un trasferimento ideale dalla scrittura alla scultura.
Da qualche parte, angeli (o sono fate?) vegliano sui mortali, affascinati dalla loro complessità. Queste scul- ture in argilla fanno parte di una serie iniziata nel 2012 denominata “Torres” (Torri), che sembrano osservare la natura e l’umanità e rappresentano tutte le sottili variazioni della contemplazione del mondo dall’angolo di visuale di una donna.

“Ammiro la rara arte di riversare gesti ed emozioni in una materia inerte, plasmarla, renderla capace di sorprenderci con le storie che ne scaturiscono”.                                                                               Helena Oliveira, 2013

From the fantastic world of her fairy tales her “angels” are born, which she knows how to present to us with the most suitable means to a spirit so rich in facets, which is hers, in an ideal transfer from writing to sculpture.
Somewhere, angels (or are they fairies?) watch over mortals, fascinated by their complexity.

These sculptures in clay belong to a series that started in 2012 and is called “Torres” (Towers), all dedicated to the observation of nature and/or the humankind, all representing the subtle variations of the contemplation of the world from a woman’s perspective.

“I admire the rare art of pouring gestures and emotions in an inert material, shaping it, making it able to surprise us with the stories that come out of it”                                                                                                    Helena Oliveira, 2013

RUSSIA

HELENA CHATALINE

La difficile missione di Dio

God’s hard mission

Olio su tela, 2006-2012 cm 100 x 130

JULIA DYACHENKO

L’evolversi dell’ispirazione

Evolution of inspiration

Olio su tela, 2021 cm 80 x 90

Sono un’artista astratta contemporanea, di sede a Mosca. Vengo da una delle regioni più dure della Russia, la Siberia, dove il freddo, la neve e il paesaggio selvaggio creano condizioni di vita speciali. È stata la bellez- za dei paesaggi locali che mi ha colpito fin dalla mia infanzia e mi ha ispirato ad esprimere i miei sentimenti attraverso la pittura.

Una laurea in Filosofia mi permette di guardare il mondo da prospettive diverse e di assumere i punti di vista più inaspettati e non comuni.
Volendo esprimere più pienamente la mia esperienza attraverso la visualizzazione di sensazioni non dette. Ne sono risultate una serie di opere d’arte nel genere dell’impressionismo astratto.

I am contemporary abstract artist, based in Moscow (Russia). I come from one of the harshest region of Rus- sia – Siberia where cold, snow and savage scenery create special living conditions. It was the beauty of local landscapes that has impressed me since my childhood and has inspired me to express my feelings through painting.

Degree in Philosophy allows me to look at the world from different perspectives and to assume the most unexpected and uncommon points of view.
I wanted to more fully express my experience through the visualization of unspoken sensations. The result was a series of artworks in the abstract impressionism genre.

EKATERINA ZACHAROVA

Notte

Night, Malecon, Havana,

Olio su tela, 2016 cm 80 x 110

SVEZIA

HELENA BJÖRNBERG

Hope

Speranza

Scultura in bronzo, 2020 cm 50 h

Speranza è la parola inglese per desiderio. Il significato della parola è legato alle possibilità della vita. Spe- ranze nel momento, nel futuro, in qualcosa di buono, qualcosa di meglio, felicità, successo e molto, molto altro. Nella lingua svedese la parola “speranza” ha due significati, sperare, un desiderio ma anche un’attività fisica, un salto, saltare in alto, saltare lontano, saltare ancora di più. La scultura “Speranza” è uscita dal mio subconscio. Si è formata spontaneamente. Sorprendentemente, è nata da un pezzo di argilla. All’improvvi- so è esistita. Con gambe lunghe e piedi grandi. In un movimento fluttuante sulla superficie terrestre.

Il braccio prende forma in un’ala. La mano alza la testa, che sembra abbia lasciato per un momento il corpo. La speranza lo afferra con un saluto di beatitudine alla vita.
Quando ho visto la scultura prendere forma, ho capito da dove veniva.
“Hope” è un’immagine in tre dimensioni, ispirata a un bambino. Sono i suoi grandi piedi torniti, sono le sue gambe forti, il suo bel corpo lungo che corre per i prati in un impeto di gioia.

“Nella speranza c’è la libertà”.

Hope is the English word for desire. The meaning of the word is linked to the possibilities of life. Hopes in the moment, about the future, about something good, something better, happiness, success and much, much more. In the Swedish language, the word “hope” has two meanings, to hope, a desire but also a physical activity, a jump, to jump high, to jump far, to jump even further. The sculpture “Hope” run out of my subcon- scious. She was formed spontaneously. Quite surprisingly, she arose from a lump of clay. Suddenly she just existed. With long legs and big feet. In a floating movement over the earth’s surface. The arm took shape into a wing. The hand raises the head. It seems like the head has left the body for a moment. She takes it in her hand in a blissful greeting to life.

When I saw the sculpture take shape, I understood where she came from.
“Hope” is a picture in three dimensions, inspired by a child. It’s her big shapely feet, it’s her strong legs, her long beautiful body that runs across the meadows in a rush of joy.
”In hope there is freedom”.